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盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?快來看看

最近又壹部好電影出資源了,是今年戛納爭奪金棕櫚的種子選手之壹。

這部片子當時壹出,立刻就成為戛納第壹個爆款,無論哪壹國的影評人,都愛死這部電影了。

比起其他幾部金棕櫚熱門,很難說《盛夏》贏在深度或導演技巧性上,相反,許多人被這部電影吸引是源於它的有趣。

《盛夏》以其較為輕松和青春的姿態,和其他的競賽電影明顯區分開來。

《盛夏》

Лето

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

首先,試想壹下,在電影的最高殿堂戛納看壹部MV電影是壹種什麽樣的體驗?

主線很簡單,是搖滾樂手成名史,加壹對三角戀情。

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壹個是著名的搖滾樂手,卻面臨著才華消退的危機。

壹個是剛出茅廬的搖滾新人,才華卻擋也擋不住。

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如果是壹般的導演,則又是壹個搖滾新人上位史的熱血故事。

但這位蘇聯導演不同,他在這兩人之間又加了壹段三角戀情,他又將鏡頭對準妻子的遊移、丈夫的苦悶和新人少年的猶豫不定。

不顯狗血,反而將這黑白影調下逼仄空間的情感遊移展現得恰到好處。

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惹眼的攝影和壹段段配合著經典的搖滾曲目、帶著幼稚狂想意味的MV段落,更是將他的才華展露無遺。

這些MV段落似有炫技之疑(畢竟太可愛也太炫酷了),但難得的是它們並沒有淪為純粹的技巧展示或噱頭,而是帶著確鑿的表意功能。

更有趣的是看那些在劇情中突然插入卻並無違和感,反而十分驚艷的MV段落

比如第壹段MV,前壹秒還是大巴車上迂腐老人與搖滾樂手們的爭吵。

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下壹秒,樂手被人拖進去毆打後出來,就開始進入MV段落。

爭吵,毆打,生氣,怒吼,歌唱,搖滾,推進得毫無違和感。

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這壹段的配樂選自大名鼎鼎的《psycho killer》,無論曲調、歌詞都無比貼合片中氛圍。

個別段落更是極盡幽默之能,酣暢淋漓。

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再如主唱得知妻子出軌的壹段,他在路邊買醉,遇見壹個同樣失戀的女人。

BGM響起,是Lou Reed的《Perfect day》。

歌詞唱著“美好的壹天”,曲調卻極盡憂傷,配合著片中的大雨,像憂傷版本的《雨中曲》。

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在悲傷的黑白影像中,導演用滑稽的筆調為失戀的女人畫上紅色裙子,讓男人在房子裏遇見掉落的天使。

壹個長鏡頭,所有的情緒:悲傷、荒誕、壓抑、無望,全都有了。

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但“有趣”和“青春”的標簽,卻並非“膚淺”的同義詞,相反,這部電影有非常明確的政治表達

影片壹開始便開門見山,搖滾樂隊在臺上咨意地唱跳,臺下的觀眾卻只能規規矩矩坐著,他們在嚴密的監控下連頭都不敢跟著節拍晃動。

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嚴密的政治高壓,被束縛著的人民,體現在搖滾樂中蠢蠢欲動的反叛因子。

這樣壹部看似輕松愉快的關於搖滾的電影中,其實隱含著及其嚴肅的政治思考和表達。

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《盛夏》在五月的戛納獲得了來自不同國家的喜愛,導演謝列布連尼科夫卻未能如約而至:他被捕了。

這位充滿勇氣的導演不斷用自己的作品與當權政府對抗,最終以“挪用公款”的名義被逮捕,至今仍未出獄。

但我想,這部充滿反叛精神的電影能在戛納參賽,並獲得如此多的喜愛,就是我們以自由之名對他給予的最好支持。

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不僅《盛夏》,還有許多內含反叛因子的音樂電影,以夏天為背景揮灑汗與淚,以鼓槌為武器尋求反叛與改變。

電影菌覺得,大概沒有什麽能比在夏天看壹部音樂電影更能沁人心脾了,無論它是清涼,還是熱血。

今天電影菌就借著這個機會來安利那些攜帶著反叛因子的音樂電影,不多,就三部,但部部精品。

1、《爆裂鼓手》Whiplash)

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因為《愛樂之城》而被廣泛認識的導演達米恩·沙澤勒,其實從來不是壹個好萊塢乖乖牌導演。

即使是受眾廣泛的《愛樂之城》,其愛情觀也並非普世的:他們分開不是因為不愛了,而是因為二人的價值觀分道揚鑣了。

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達米恩也敢於用壹個悲劇作結,而非傳統好萊塢式的嘻哈團圓結局,看似人人討好,其實毫無立場。

而在《愛樂之城》之前的《爆裂鼓手》,達米恩就不僅顯示出他高超的導演技巧,更顯示出其反叛傳統的價值觀念。

這部電影,才是對“犬儒主義”的狠狠壹擊

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通過壹個變態的老師,壹個不擇手段想要成功的鼓手,達米恩在說:沒有什麽比“中庸”更害人的了。

成功從來不是中庸,成功的過程更像是壹個不斷失去自我、和魔鬼簽訂契約的過程。

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許多人把這部電影錯誤地理解為庸俗的“美國夢”背書模板。

但這部內核極為暗黑的電影其實在不斷地顛覆這壹傳統價值觀,比起批判,它更像是通過這個故事給予觀眾壹場反思和嘲諷——

訓練的過程,比起單向的鞭策更像是壹個互虐的SM過程。

成功地過程,與其說逐夢、熱血,其實用殘酷、失去來形容更為適合。

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如果成功是這樣那搞得,平庸的人們還願意去追求嗎?

拷問無處不在。

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當然,作為音樂片來看,此片最牛的地方在於:全程的鼓點作為背景音樂和剪輯點無縫交融在壹起,驚艷程度令人砸舌。

無論價值觀妳贊成與否,但當成音樂片來看,是絕對的五星。

2、《迷墻》

The Wall

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之前我們也介紹過這部令人震驚的MTV電影,電影真正的主角是英國的殿堂級搖滾樂隊——Pink Floyd

不像前面介紹的其他電影,或是在劇情中穿插MV,或是以音樂為主題構建故事,這是壹部沒有完整劇情,95分鐘都是MV的電影。

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影片以樂隊主唱的成長史為線索,敘事手法極其前衛,動畫與真人影像交織,現實以超現實的方式表現出來,呈現出壹種夢幻迷離甚至略帶恐怖氣氛的影像質感。

從來沒人用95分鐘的電影時長來拍MV,也從沒人用MV的形式來拍壹部95分鐘的電影。

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

《迷墻》開先河的意義不止於此,它還用強烈的影像風格進行了極為激烈的政治批判,在當時石破天驚。

在學校上學的孩子們如同壹個個行走的機器,如同高高築起的墻壁的磚頭,沒有生命力,沒有反抗力,走上名為“社會”絞肉機,紛紛被絞成肉末。

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

人的肉體、人的精神被封印在高墻中,呼喊、尖叫,乞求掙脫。

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刀斧排列成軍隊行進的形狀,它們是納粹的標誌,是軍人的標誌,是整齊的、威嚴的、不可反抗的標誌。

在這樣的高壓社會,沒有人不是被異化的。

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

無論是真人影像或動畫,《迷墻》都顯現出了壹種直擊人心的震懾力。

在這樣的影像面前,唯有Pink Floyd的偉大搖滾才是它真正的註解。

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3、《醉鄉民謠》(Inside Llewyn Davis)

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

無論從這部電影的名字還是那首著名的插曲《five hundred miles》來看,這部片子似乎都應該是溫柔清新型的。

但不好意思,不是。

請看它的導演:溫情殺手——科恩兄弟。

電影講什麽?壹個民謠歌手逐夢的故事。

但科恩兄弟怎麽講故事?

壹個挫敗,兩個挫敗,三次失敗……妳以為他總會成功的,但沒有,到最後壹刻都沒有。

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在這曲完全“反烏托邦”“反美國夢”的失敗者之歌中,可貴的是科恩兄弟沒有讓人物成為灰頭土臉、全然潰敗的失敗者。

他的確失敗了,卻仍然有他的柔光時刻、他的發光時刻。

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而片中出現的諸多曼妙的民謠,幾乎就為這個失敗者打上了十足的高光。

這部電影最好的地方在於,它沒有猛灌雞湯,更沒有極力打壓人物。

導演讓他壹路跌跌撞撞,遇到些許美好,遇到些許溫柔,但也遇到許多頭破血流的時刻,人物的迷茫心境與前程未蔔讓銀幕前的我們達到了最大的共情。

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

我們不是要去看人物如何成功,抑或如何失敗。

《醉鄉民謠》裏,科恩兄弟告訴我們看電影還有另壹種方式:感受他們,無論他們成功抑或失敗。

盤點|還有什麽能比這樣的電影更消夏?

四部電影,網上均有資源。

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